Regard sur l'image

- Images : l'originalité remise en question ? 1/2

Jorge Alvarez Iberlucea — 2014-10-28T08:30:00Z

Texte intégral de l'intervention de Jorge Alvarez, photographe, vice-président de l'Union des Photographes Professionnels [1] lors du 11^e colloque de l'Observatoire de l'image

En m'invitant à ce colloque vous m'avez obligé à relire Bourdieu, Barthes, Sontag, Tisseron et bien d'autres. Je vous en remercie. Je n'étais pas conscient à quel point ces lectures me manquaient.

Nous allons discuter de la problématique de l'originalité puisqu'il s'agit de définir ce qu'est œuvre originale ou non. Commençons par parler de ceux qui font ces images, les faiseurs d'images pour reprendre le terme de Peter Knapp. Et parmi eux, les plus communs : les photographes.

Les photographes
Les photographes sont des grands enfants. Frimeurs et hâbleurs comme des adolescents qui veulent capter l'attention des autres. Vous en avez certainement croisé un qui, tout à coup, tend son bras, appareil photo en main, et déclenche dans une quelconque direction pour vous montrer ensuite, fier de lui, avec un grand sourire niais ce qu'il considère comme une belle image. Vous croyez naïvement qu'il a un très bon appareil capable de faire des belles images et que ce dernier les produit tout seul. Cependant si, par la suite, vous avez la possibilité d'avoir le même appareil et que vous tentez de frimer comme lui, vous constatez que votre production n'est pas à la hauteur des photographies que vous admirez. Éventuellement, vous pouvez penser ne pas avoir de talent… Tout cela est faux !

Le frimeur avait déjà « vu l'image » à faire et opéré des réglages sans que vous vous en aperceviez. Ce n'est pas une preuve de votre absence de talent !

Les photographes étudient pour dominer les techniques, certes, mais surtout nous travaillons 24 heures/24 pour apprendre « à voir » plus rapidement et plus pertinemment que le commun des mortels.

C'est logique, il n'y a rien d'exceptionnel dans tout cela. Quand on désire symboliser des situations, représenter des réalités, il faut au préalable avoir étudié les mécaniques de la compréhension de l'image fixe. Si je sais comment vous regardez, je saurai comment faire des images pour vous parler. Donc, j'étudie… j'étudie pour construire un regard et pour m'exprimer en images.

Le regard qui aboutit à la réalisation d'une image n'a rien à voir avec le regard ordinaire, quotidien, habituel. La situation la plus flagrante est celle des séances de prises de vues de nus en studio ou ailleurs.

Si l'auteur a un « regard quotidien », il ne fera pas son travail ! Pour réussir, il est obligé de regarder, de penser, de sentir « image fixe ». C'est-à-dire courbes, volumes, ombres, lumières, reflets… Il devient pour la durée des prises de vue « un faiseur d'images ».
Il y a quelque chose là-dedans qui est de l'ordre de la transe, semblable à celle de certaines activités sportives comme le tir-à-l'arc. Cet état rappelle la notion de « duende » chère à la culture du flamenco et de la tauromachie.
De même, celui qui cherche à représenter la personnalité d'un individu par un portrait ou une réalité dont il est témoin. Il se doit d'être dans un état, autre que celui du « quotidien ».

Des photographes sont plus rationnels que d'autres. Mais une grande partie de nos productions sont faites intuitivement. L'intuition ? « C'est la raison qui va vite ! » disent les Espagnols. Nous sommes capables de faire des images pourvu que nous les ayons d'abord intégrées en nous, assimilées à notre mode de fonctionnement.

Le cerveau humain est le meilleur ordinateur du monde. Nous lui donnons un sujet et il travaille, seul, en tâche de fond puisque nous pouvons oublier la question et nous occuper d'autres sujets. Plus tard, il se rappellera à notre bon souvenir dès qu'il aura trouvé une amorce de réponse. C'est certainement difficile à comprendre, mais c'est une réalité.

C'est ainsi que des images sont prêtes dans la tête, bien avant le commencement du travail. Même le reporter de guerre construit des images dans sa tête avant de se trouver confronté à la réalité. Au pire, il se les construit dans ce moment instantané de découverte. Mais il construira sur la base de ce qu'il a appris sur le sujet.

Un mot japonais est utilisé par les snipers, les tireurs embusqués, dont je n'arrive pas à me souvenir. Il est utilisé dans toutes les armées du monde pour exprimer cet instant. On ne pense pas rationnellement, on agit sans y penser. En fait, tout ce qui compte est déjà dans le cerveau et cela va bien au-delà de la simple technique.

Par ailleurs, il faut souligner qu'un photographe arrive à maturité quand il oublie complètement la technique. Un mot de Picasso résume bien la situation : « La technique est faite pour être oubliée…. À condition de l'avoir apprise ! ». Il connaît les conséquences de chaque choix et il n'y pense plus, il les met en actes.

L'image fixe
Nous travaillons dans un domaine qui est commun à tous les humains : l'image fixe. Il suffit de voir les innombrables querelles concernant l'iconographie qui ont jalonné l'histoire de l'humanité et qui ne sont pas prêtes de s'arrêter. Les adorateurs d'images, qui confondaient les images avec le réel ou le symbolique, ont donné naissance aux iconoclastes, qui confondaient eux aussi. Et ainsi de suite.

Soyons humbles. Nous ignorons comment ces intuitions font des images… Et nous ne le savons pas mieux pour les textes. Nous ignorons comment notre cerveau construit du nouveau avec de l'ancien. Nous ignorons comment les idées circulent, pourquoi elles sont dans « l'air du temps » Comment et pourquoi nous les saisissons pour les mettre en forme de façons si diverses ou si semblables. Ce sont là des mécanismes que nos sciences n'ont pas encore réussi à élucider complètement. Ce que nous savons, ce que l'image fixe est le moyen incontournable d'assimilation du monde. Des nombreux auteurs l'ont démontré ; malheureusement, nous n'avons pas la place de développer ici ce sujet pourtant si intéressant.

Nous comprendrons plus aisément l'importance de l'image en deux dimensions si nous nous attardons un peu, et surtout rationnellement, devant un miroir. Notre regard n'est pas le même selon qu'il s'adresse à une personne vivante qui est devant nous ou s'il porte sur son image dans un miroir. Oui, l'image du miroir revêt deux dimensions et nous n'avons pas le même sentiment que devant le réel qui est en trois dimensions, en plus de la dimension « temps ».

Le temps
Une composante redoutable de tout jugement concernant une œuvre est le temps. Ce qui ne paraît pas important aujourd'hui peut l'être dans cinquante ans. Personne ne peut affirmer avec certitude ce qui restera dans l'histoire et ce qui sera oublié. Cela nous semble facilement compréhensible pour les images qui nous semblent artistiques ou pour celles que nous ne comprenons pas mais il y est de même pour les images documentaires
.

Pour les photos documentaires le temps tend à effacer les intentions premières, les émotions qui cloîtrent l'image dans un champ trop déterminé. Et « cet effet de l'éloignement temporel fait qu'un grand nombre d'entre elles ... peuvent ... s'élever au niveau de l'œuvre d'art. » (Susan Sontag)

Le temps de l'histoire nous gouverne, ce n'est pas nous qui le gouvernons.

Comment ça marche ?
Ce qui est purement technique n'est pas une création, à moins que vous ne soyez l'inventeur de la technique.

Ce qui est de l'ordre du technique peut être répété à l'identique par n'importe qui, à condition d'avoir suivi la formation nécessaire à la maîtrise de cette technique. Le produit d'une création n'est pas répétable. On ne peut faire de la création « à la chaîne ».

On m'a demandé de vous présenter le processus de création d'une image. Dire comment travaille le photographe. Volontairement, j'ai mis de côté – ce sera pour la prochaine fois – les images très élaborées, surtout en studio, car elles supposent que l'on fasse, des croquis, des tests, des essais et il est bien plus facile de prouver l'apport intellectuel de l'auteur par ces travaux préliminaires. Nous nous attarderons donc surtout sur les autres images, les moins bien comprises.

Les préliminaires
Avant tout, il faut connaître son sujet pour faire une image. De la même façon… on pense ce qu'on veut dire au lecteur.
Je n'oublierai jamais le jeune journaliste débutant qui, en reportage dans un site industriel, me dit « Jorge, fais-moi ça » et moi de lui répondre « tu veux dire quoi ? ».
Il a appris rapidement que pour l'image, tout comme pour l'écrit, rien de bien ne peut se faire sans connaissances et sans intention.
Un professionnel s'imagine chaque image avant de chercher dans ce qu'il vit ce qui correspond à son ressenti.

Le point de vue
Tout comme en philosophie, choisir un point de vue c'est définissant. En raison des lois optiques, chaque point de vue définit une perspective précise. Et comme nous le savons depuis la Renaissance, le choix d'une perspective définit des formes, très différentes d'une autre perspective. La forme des objets est plus ou moins grande, le rapprochement et l'éloignement des différents plans dans la profondeur ou encore l'accentuation ou la réduction des fuyantes varient aussi.

C'est aussi en choisissant le point de vue qu'on mettra en valeur le sujet/objet de l'image.

Le cadrage (la composition)
Une image a deux dimensions. Faire une image signifie donc représenter une réalité faite de trois dimensions en deux dimensions.

C'est ainsi que pour toute image, on se doit de cadrer et de composer.
Cadrer c'est d'abord choisir un morceau de réalité qui se présente à nous tout en composant. Un cadrage est une découpe.
Composer une image en deux dimensions (hauteur/largeur) vise à situer les différents éléments dans cette surface tout en mettant en valeur le sujet/objet de l'image.
Composer c'est également choisir les différents plans en profondeur de l'image. C'est intimement lié au choix du point de vue.

Et pour bien hiérarchiser les différents plans dans la profondeur, rien de mieux que la profondeur de champ, un très difficile choix technique.

Les choix techniques
Le média photographique oblige à des nombreux choix techniques, chacun impliquant directement des choix esthétiques.
Choix de l'appareil (du capteur numérique), de l'objectif, du diaphragme, de la vitesse, de la sensibilité, de la balance des blancs…
Tous les choix techniques ont des conséquences esthétiques ! Ils sont mariés à vie.

Revenons à la profondeur de champ. La profondeur de champ est la définition de ce qui est ressenti comme net quand on regarde une image photographique.

Quand on choisit un diaphragme – ouverture de l'iris de l'objectif –, on ne fait pas « qu'un simple réglage pour que l'exposition soit correcte, équilibrée ».
Quand on choisit un diaphragme, on définit obligatoirement la zone de netteté et la zone de flou, les zones de non-netteté étant toujours en dégradés plus ou moins importants, vers l'avant et vers l'arrière de la zone nette. En un mot, on choisit pour chaque plan qui sera plus ou moins net ou plus ou moins flou. Ces choix sont proportionnels à la distance de prise de vue et varient en fonction de chaque objectif et du diaphragme choisi.

Permettez-moi d'insister, choisir un diaphragme revient à choisir le flou et le net, donc à opérer des choix qui ont une grande importance dans l'esthétique.
Vous l'aurez compris, il est évident que la profondeur de champ sert également à définir, à situer le sujet dans l'image ; à donner la priorité à certaines parties de l'image.

Les prises de vue en rafale
Les prises de vue en rafale représentent une technique comme une autre. Dire que le photographe n'opère pas de choix en déclenchant en rafale, c'est accorder aux appareils photo des qualités qu'ils n'ont pas ! C'est aussi oublier l'importance du cadrage. Il s'agit d'un amalgame entre ce que le commun des gens fait avec leurs appareils « tout automatique » et ce que les professionnels font. Même s'il est cloîtré derrière les buts dans un match de football, le photographe opère des choix qui lui sont propres. Si ce n'était pas le cas, les agences et les magazines emploieraient des robots !

Rien ne peut remplacer la subjectivité de l'humain. En plus de tous les choix, des réglages qui précèdent les prises de vue, seul, il choisit ce qu'il cherche à représenter.

C'est son savoir-faire, ses connaissances du sujet et ses intuitions qui lui permettent de déclencher une micro-seconde avant l'événement et de le représenter comme il le souhaitait.

Aussi, laissons de côté la robotique et demandons-nous pourquoi il y aurait autant de photographes dans les stades pour un simple match de football s'il était si simple et si banal de photographier en rafale.

© Jorge Alvarez, texte et images

Fin de la première partie

Seconde partie

Les photographies devant les juges par Jorge Alvarez

[1] devenu depuis fondateur du Syndicat National des Photographes

- Images : l'originalité remise en question ? 2/2

Jorge Alvarez Iberlucea — 2014-10-27T08:55:00Z

Première partie de cet article

Approfondissons un peu plus notre sujet en répondant à quelques arguments très populaires.

« Ils utilisent tous le même matériel… et moi aussi ».
J'ai commencé ma vie d'adulte en tant que dessinateur. Tout dessinateur utilise un crayon et une gomme de la marque Staedler, c'est la meilleure. Ne parlons pas des poils des pinceaux parce que, entre le blaireau, le chameau, la soie de porc et la martre, il y aurait de quoi écrire une encyclopédie ! Il en va de même pour la photo : on cherche à travailler avec le meilleur matériel qui soit, mais surtout avec celui qui nous permettra de répondre à nos exigences. On réfléchit beaucoup avant d'acheter, de louer, d'emprunter ou même de bricoler.
Rien ne peut se construire sans choisir intellectuellement.

À la fin des années 80, j'ai été envoyé par une agence de communication pour couvrir la construction d'une centrale nucléaire dans la Manche. À mon arrivée, je me suis présenté à la direction. Le directeur adjoint m'a reçu et m'a dit : « Je ne comprends pas pourquoi on vous envoie ! Nous avons un photographe qui fait le suivi du chantier jour après jour et il photographie tout. Et moi-même – là il s'est penché et a ouvert un tiroir rempli de matériel photographique professionnel – je fais quelques photos de temps en temps ». Je lui ai répondu bêtement : « Je tâcherai de ne pas déranger… De toute façon ce n'est pas vous qui payez… », et il m'a donné l'autorisation.
Au bout de cinq jours, je suis rentré, direction Paris, au laboratoire. J'ai livré mes images au client, puis plus rien.
Deux mois plus tard, mon commanditaire m'a fait part d'un courrier dans lequel ce directeur accusait réception de quelques tirages papier et reconnaissait fort honnêtement : « Merci ! En voyant vos photos j'ai compris pourquoi on vous avait envoyé. ».

Malgré ses études, sa culture, cet ingénieur a eu besoin d'un exemple concret pour prendre conscience que faire des photos ne se limitait pas à disposer d'un matériel performant et à appuyer sur un bouton.

« Je suis capable de le faire, ce n'est donc pas une création »
Le commun des mortels pense être incapable de développer une activité artistique et de devenir un créateur. Croire qu'il faut des conditions particulières pour être un créateur est un préjugé idéologique. Nous pouvons tous être des créateurs, c'est une simple et terrible question de travail. Valéry disait : « Pour réussir, il faut 5 % de talent et 95 % de travail ». Et il avait raison !
Le talent se travaille, même le plus infime. Les idées se trouvent, facilement, partout, il suffit d'apprendre à ouvrir son esprit. Certes, c'est un travail plus ou moins long et souvent fastidieux. Il faut être patient et obstiné.

Le savoir-faire créatif consiste à intégrer en soi la chose à représenter. Là est la difficulté.
Un jour que j'amenais mes enfants à l'école maternelle, j'ai vu que des dessins étaient affichés sur le mur de la classe. Mon œil a été attiré par l'un de ces dessins que font les petits enfants quand ils se représentent avec leur tête et leurs membres, sans corps. J'en ai découvert un particulièrement réussi, un vrai Miró ! Je l'ai regardé attentivement et l'ai mémorisé. De retour chez moi, j'étais décidé à le reproduire. Je suis dessinateur depuis mon adolescence et je fais confiance à mes capacités, à mon expérience. Mon matériel sur ma table, j'ai commencé ma copie… Raté une fois, raté deux fois, tous mes essais furent ratés !
J'avais ce dessin dans ma mémoire, j'avais les moyens techniques et les capacités intellectuelles pour le reproduire mais je ne l'avais pas en moi ! Ressentir la réalité comme un enfant ne m'était plus donné et je n'avais pas non plus travaillé assez pour retrouver ce ressenti.
Faire une image nécessite que vous la ressentiez en vous. Voir et enregistrer ne suffisent pas. Croire que c'est simple, que c'est réalisable parce que nous avons le savoir-faire ne suffit pas. Il faut arriver à construire dans sa tête, à faire sienne l'image avant de la réaliser.

Chercher à représenter au mieux la réalité est en opposition à toute démarche de création
Indépendamment du fait que la loi protégeait déjà la « photographie documentaire » et que la Cour européenne de justice n'arrête pas de parler du « caractère artistique ou professionnel », il y a dans cette affirmation un préjugé culturel. Préjugé qui ne concernerait que la photographie ? Je m'interroge. Mais que pourrions-nous dire au sujet du dessin et de la peinture hyperréalistes ? Des tableaux qui sont plus réels que des photographies !
On devrait s'attarder davantage sur le contexte pour pouvoir juger.

« Quand il y a des directives précises, une commande, il n'y a pas de création »
Faut-il rappeler que les œuvres sont des idées mises en forme par une personne ? Les directives ont peu d'importance devant la subjectivité de l'auteur de la forme. De plus, les créateurs aiment les contraintes ! Oui, les commandes impliquent des directives précises et sont souvent liées à des buts utilitaires.
Les œuvres d'art post-colombiennes réalisées avec l'or refondu des œuvres indigènes pendant la conversion au christianisme étaient « au service de l'évangélisation ». Elles avaient un but utilitaire clairement défini : assurer la conversion au christianisme des indigènes sud-américains.
Dans toute l'histoire de l'humanité, la production d'œuvres considérées aujourd'hui comme indiscutablement artistiques a toujours eu un but utilitaire.
En 1997, j'étais en litige avec une très grosse société qui avait diffusé des dizaines d'images sans me demander mon avis. Au milieu de la médiation proposée par les juges, je me suis trouvé face au directeur de la communication, un Monsieur très cultivé. Au cours de l'échange, il me dit : « Mais ce sont des photos de commande » ! Un peu surpris, je lui ai répondu « Mais les fresques de la Chapelle Sixtine aussi » ! Et la négociation s'est arrêtée là.

Croire que l'art se limite à l'inutile, au non fonctionnel, au non utilitaire, à l'initiative d'un individu isolé, caractériel, maigre et mourant de faim si possible, est un préjugé que l'histoire de l'art a disqualifié depuis longtemps.

Encore un exemple de commande et des contraintes :
Le rédacteur en chef d'un magazine m'a envoyé couvrir la conférence de presse de la présentation des premiers objets récupérés dans l'épave du Titanic. Je lui demandai ce qu'il souhaitait. Après quelques minutes de silence, il me dit simplement « Je veux du mystère ».
Sur les lieux, j'ai couvert la conférence de presse, ennuyante du point de vue des images, des images que n'importe qui aurait qualifiées de banales, quand bien même j'avais choisi des cadrages intéressants et surtout le moment où chaque intervenant avait une expression qui, selon moi, correspondait le mieux à sa personnalité.
Un marathon assez bizarre a suivi. Toute la presse nationale et internationale était là. Nous sommes tous montés au deuxième niveau où des caisses extraites d'un container allaient être ensuite déplacées vers le sous-sol où nous nous trouvions au départ. En cours de route, j'ai compris que la présentation des objets aurait lieu tout en bas. L'ensemble des journalistes sont donc descendus, suivant les responsables. J'ai décidé de rester en hauteur, en prenant le risque de ne pas voir la même chose que tous les autres. Mais j'ai eu raison… Toutes les contraintes ont été neutralisées par l'instruction « Je veux du mystère ».

Mais alors, comment faire pour saisir l'originalité ?

Quand il nous faut des preuves, regardons les dérives les plus habituelles.
Il est aisé de tomber dans le piège des préjugés populaires concernant la photographie. N'oublions jamais que la première difficulté, le passage obligatoire par un procédé partiellement mécanique pour dessiner son art est toujours d'actualité, presque deux siècles plus tard !
Sans parler du préjugé qui consiste à croire que l'art est du domaine de l'inutile.
Nous ne devons pas nous limiter à juger une image isolée. Souvent, une image fait partie d'un ensemble et c'est cet ensemble qu'il faut apprécier. Si nous souhaitons découvrir l'empreinte d'une personnalité, regardons toujours au pluriel.

Personnellement, si j'avais à juger de l'originalité d'un dessin de Picasso, si je ne connaissais pas son œuvre, si je m'interdisais à regarder l'ensemble, je dirais que c'est le travail d'un enfant d'école maternelle !

Nous devrions regarder s'il s'agit d'un professionnel ; les chances sont élevées que ce soit un auteur. Considérons aussi comme professionnel celui qui prétend avoir une activité créative régulière, et peu importe si c'est son activité principale ou secondaire. Aussi, il est nécessaire de ne pas négliger l'importance économique du travail du professionnel.
Le contexte a aussi une énorme importance pour prouver une démarche intellectuelle.
Voici un dernier exemple qui réunit quelques-unes de nos réflexions :
Regardez cette trouvaille d'une artiste. Elle a confronté un livre de Raymond Depardon avec des images de Google Street View… Et une journaliste a publié ceci dans Libération.

© Raymond Depardon

Le travail de Raymond Depardon dans Journal de France est une œuvre représentant la France paysanne. Sa démarche est loin d'être innocente et neutre, en face, les vues de Google n'ont aucune intention. Et que les lieux et les points de vue paraissent semblables n'enlèvent rien à la démarche du photographe ! Ce n'est pas le sujet qui fait l'œuvre ! Ce n'est pas le manque de fioritures qui fait banalité.
L'artiste dit : « Quelle signification a aujourd'hui le travail de Depardon alors qu'il existe peut-être dans les serveurs de Google des milliards d'images de quasiment l'ensemble des routes de France. (…) Refaire ce parcours dans Google Street-View, sur les pas de Depardon, et mettre en parallèle les images prises à la chambre avec des captures d'écran, c'est mettre en perspective deux types d'images, deux intentions opposées, deux visions du monde. » (Caroline Delieutraz, Deux visions, , 2012.)
Je ne suis pas certain de partager le point de vue de cette artiste, et c'est surtout oublier quelque chose d'essentiel : cette personne a cherché dans les serveurs de Google les images ressemblant. Pour parodier le Bourgeois Gentilhomme, elle faisait donc du Depardon sans le savoir.

© Jorge Alvarez, texte et images sauf mention contraire

Première partie de cet article

Les photographies devant les juges par Jorge Alvarez

[1] devenu depuis fondateur du Syndicat National des Photographes

- Les photographies devant les juges

Jorge Alvarez Iberlucea — 2013-10-04T09:52:02Z

L'arrivée de la notion d'originalité dans les litiges portés devant les juges a créé une insécurité insupportable pour les professionnels de l'image !
C'est déjà pour ce motif que nous avions, en 2010, organisé avec la SAIF un colloque à l'adresse des juristes* pour les aider à mieux comprendre une évidence : toute photographie est une mise en forme de l'idée que l'auteur s'est construit mentalement, et cela même pour les photographies de reportage faites dans une zone de conflit.

La Vénus au miroir

D'après «  Vénus au miroir  » de Diego Velazquez
Photographie © Jorge Alvarez Iberlucea

A son origine la photographie était essentiellement considérée comme une simple technique et pour nombre de nos contemporains, elle reste toujours uniquement un art appliqué. Peu nombreux sont ceux qui ont vu ou voit en elle un art à part entière.

Le temps passe mais les préjugés restent, le coté mécanique, et électronique aujourd'hui, entretien le mythe culturel et commercial (« Click-clack, Merci Kodak ») du simple savoir faire technique qui se voit appauvri par des automatismes innombrables... Le mythe grandit avec la popularisation des appareils et des nouveautés qui sont annoncées comme sachant tout faire à votre place. L'efficience de la machine n'est pas un vain mot dans notre société. Voir à ce titres les publicités de nombreux constructeurs de matériel photographique et les commentaires que vous pouvez entendre dans la rue ou encore chez les amis : « Vous devez avoir un bel appareil photo pour faire de si belles images ! », autres variantes : « C'est facile de faire une bonne photo avec un tel appareil ! » ou encore « Vous devez faire de bien belles photos avec cet appareil ! » entend-on régulièrement. Le décor est posé ! La photographie est une technique et c'est la machine qui fait tout ! Parce que la peinture, l'écriture, le cinéma, la danse n'en sont pas ?

La mort du photographe

D'après «  Marat assassiné  » de Jacques-Louis David
Photographie © Jorge Alvarez Iberlucea

Qui sait ?

Tout le monde se croit photographe, mais peu nombreux sont ceux qui savent regarder les photographies et pour faire des photos, il faut savoir regarder des images. La popularisation de la technique photographique et la multiplication des images n'ont pas été accompagnées par un apprentissage de leur lecture. Cet illettrisme de l'image a conduit à la scission du monde photographique contemporain en deux catégories : les photographes plasticiens aisément considérés comme artistes, protégés par le droit d'auteur, et tous les autres chez qui ont se doit de croire que ses œuvres seraient banales, donc reproductibles par n'importe qui et pillables à merci, jusqu'à plus soif.

L'opposition art pur versus art moyen n'a plus cours à notre époque, ce combat est un combat d'arrière-garde. S'acharner à vouloir distinguer ce qui relève de l'art et ce qui ne relève pas c'est faire fausse route car seule la postérité peut en décider. L'histoire de l'art est là pour nous le rappeler.

L'incompréhension de l'apport personnel d'un photographe lorsqu'il fabrique une photographie est redoutable. Pour parler simplement, le processus de l'acte photographique est toujours un mystère pour le commun des mortels et parfois pour les créateurs eux mêmes.

Comme les photographes le savent irrationnellement et l'expriment souvent maladroitement (cf. la vidéo présentée lors du Colloque « L'originalité en photographie ») nous ne reproduisons pas des réalités, nous construisons et présentons des images créés mentalement afin d'exprimer un propos.

La femme au livre

D'après «  Vieille femme lisant  » de Rembrandt Harmenszoon van Rijn
Photographie © Jorge Alvarez Iberlucea

Et les juges ?

Il faut dire clairement que les juges ne sont pas aidés. Le principe d'originalité tel qu'il est énoncé par la doctrine et la Cour de Cassation est impossible à appliquer objectivement pour la photographie puisque à l'épreuve des faits les magistrats sont obligés de se travestir en critiques d'art pour s'en sortir !

Quelques perles récentes pour comprendre :

– « … la photographie de couverture qui présente un paysage très fortement vallonné et boisé, en jouant sur le effets de la lumière dans la brume et, au premier plan, sur le reflet dans l'eau est caractéristique d'un système pictural connu depuis la fin du XVIII ème siècle utilisé par des paysagistes français de la seconde moitié du XIX ème siècle... constitue une technique extrêmement ancienne ; qu'il se déduit de ces constatations que si la photographie démontre la parfaite technique de l'auteur, elle ne met pas pour autant en exergue une originalité témoignant de l'empreinte de sa personnalité » (CA Paris, 25/11/2011, RG11/05470).
Les effets de lumière dans la brume, les reflets dans l'eau... sont « une technique » ? Connaître l'histoire de l'art est du domaine des « techniques » ?

– « Considérant que le choix de la pose du modèle, allongé sur un canapé, n'est que la reprise d'œuvres picturales connues, tel le tableau Olympia de Manet, lui même inspiré de La Maja nue d. et de la Vénus d'Urbin par Titien et représente donc un caractère banal et n est pas de nature à révéler l'empreinte de la personnalité du photographe. Considérant que le choix de l'environnement du modèle constitué simplement par un canapé recouvert d'une serviette blanche et, en arrière plan, un mur nu peint en blanc, est tout aussi banal. Considérant enfin que le cadrage, l'éclairage et le moment de la prise de vue ne présentent aucune originalité particulière, le modèle étant photographié de face, en train de poser, sans jeu d'ombre ou de lumière susceptibles d'instaurer l'ambiance sensuelle revendiquée. Considérant enfin que la combinaison de l'ensemble de ces éléments ne présente aucune créativité susceptible de refléter la personnalité de l'auteur de cette photographie et qu'ainsi ne saurait revendiquer une quelconque titularité de droits d'auteur sur ladite photographie. » (CA Paris, 06/04/2012, RG 11/07388).
Donc l'Olympia de Manet n'est pas une œuvre originale puisque elle n'est qu'une « reprise » de La Maja Nue et de la Venus d'Urbin ! D'ailleurs, toutes les Pietà qui jalonnent l'histoire de la peinture ne le sont pas plus pour les mêmes motifs. A croire ce jugement, depuis la Renaissance très peu d'œuvres méritent la protection de la loi.

Je n'ose croire que les juges sont frappés d'amnésie. Un rappel tout de même, la « nouveauté » est une condition inexistante dans le Code de la propriété intellectuelle (CPI, art L112-1 : Les dispositions du présent code protègent les droits des auteurs sur toutes les œuvres de l'esprit, quels qu'en soient le genre, la forme d'expression, le mérite ou la destination.)

– « La construction de la photographie ne démontre aucun parti pris esthétique et ne porte aucune empreinte de la personnalité de son auteur, elle se contente au contraire de représenter une vue extérieure d'une yourte installée dans un décor naturel sur lequel le photographe n'a aucune emprise. » (CA Paris, 25/05/2012, RG 11/12983).
Le jugement confond le sujet de la photographie qui lui peut ne pas être original, ce n'est pas important et l'image produite qui elle est un original. Ainsi, la Pietà n'est pas un sujet original dans l'histoire de la peinture occidentale mais, cela n'a pas interdit à Van Gogh et à Delacroix, pour ne citer qu'eux, de faire chacun une Pietà originale.

Par ailleurs, soyons réalistes, depuis quand devons nous avoir une « emprise » sur la réalité représentée ? Et quand un juge parle de « construction de la photographie », il effectue un jugement esthétique et personnel, ce qui lui est interdit par son rôle de magistrat.

– « Une photographie n'est protégeable par le droit de la propriété intellectuelle que dans la mesure où elle procède d'un effort créatif et qu'elle ne vise pas seulement à reproduire de la manière la plus fidèle possible, un objet préexistant. » (TGI Paris, 20/12/2012).
Juger d'un effort créatif c'est encore parler de mérite et c'est à nouveau émettre un jugement personnel. La première position est récusée par l'article L112-1 du CPI cité plus haut. Quant à la seconde, elle est interdite au juge. Un juge doit rester neutre et objectif.

– « … elle s'apparente au genre documentaire qui ne fait plus l'objet . . d'une protection au titre du droit d'auteur. » (TGI Paris, 14/03/2013, RG 11/17116).
Depuis l'origine de la protection de la photographie par la propriété intellectuelle le législateur a cherché à protéger les œuvres documentaires en égalité avec les autres œuvres... D'où vient cette exclusion ?

– « … que cette qualité révèle un savoir-faire qui se manifeste, notamment, par le choix, justement, des prises de vue et de l'éclairage ; qu'il est constant néanmoins que l'originalité dépasse le savoir faire ; que les clichés en question... ont été réalisés sur commande dans un but avant tout utilitaire... plutôt que dans une démarche de création, et ne diffèrent pas sensiblement des représentations auxquelles donne lieu habituellement ce type de reportage ; que si elles remplissent assurément leur mission, on n'y trouve pas l'empreinte d'une personnalité, le reflet d'une sensibilité, l'expression de la créativité qui caractérisent l'originalité » (CA Douai, 15/05/2013, RG 12/01662).
Commande ? But utilitaire ? Si je comprend bien ce jugement, le plafond de la Chapelle Sixtine n'est plus une œuvre d'art puisque cette commande a été faite dans un but utilitaire : louer Dieu ! Alors, la commande interdirait la démarche de création ?

Nous constatons que la grande majorité des juristes n'ont pas été formés à l'image et encore moins à la photographie pas plus qu'ils ne sont formés à la sécurité nucléaire ou la médecine. Leur travail est de déterminer s'il y a une infraction à la loi et surtout pas d'exprimer leurs opinions personnelles.
Il nous paraît évident que cette notion d'originalité est une erreur. Il est impossible de prendre ce critère comme base pour juger de la possibilité de protéger les œuvres comme le démontrent les décisions cités ici.

Certes, les magistrats ne sont pas aidés. On leur demande de juger à travers un filtre (l'originalité) inapplicable. Ils doivent exiger cette démonstration d'originalité de la part des plaignants, ceux qui se sont fait voler leur travail **. Ils n'ont pas suffisamment d'informations et ils ne font pas appel à des experts alors que dans d'autres secteurs se recourt est naturel. Comment peuvent t-ils juger si une mise en forme est originale ou pas ?

Un exemple parmi d'autres : nous, les créateurs d'images, savons qu'un choix technique a toujours des conséquences esthétiques (la profondeur du champ qui défini ce qui est net ou flou par exemple ; également le choix d'un grand-angle accentue les perspectives tandis que l'usage d'un téléobjectif les amoindri ; ou encore le choix d'un format carré, panoramique ou classiquement 24x36 c'est déjà construire la composition de l'image). Que ces choix esthétiques soient bons ou mauvais n'est pas la question.

La question de la propriété de l'œuvre

Notre société est organisée sur le principe de propriété. Elle est matérielle ou intellectuelle. Et tout ce qui n'appartient pas à un propriétaire fait partie du domaine public.
Les récentes jurisprudences qui ont nié la protection de la loi à des photographies alléguant leur banalité ou leur manque de recherche esthétique, ont soit inventé une nouvelle propriété dont les caractéristiques nous échappent soit elles ont dépossédé les auteurs jetant leurs photographies dans le domaine public. Dans quel intérêt ? Comment le travail d'une personne peut se retrouver en un instant la propriété de tous sans son consentement ?

Le Protocole additionnel à la Convention de sauvegarde des droits de l'homme et des libertés fondamentales dit dans son article 1^er « Toute personne physique ou morale a droit au respect de ses biens. Nul ne peut être privé de sa propriété que pour cause d'utilité publique et dans les conditions prévues par la loi et les principes généraux du droit international. »
La question est importante : où se trouve l'intérêt général ? Où se trouve la cause d'utilité publique qui justifie de déposséder un citoyen qui vit de son travail de la propriété de ce travail ?
Il est évident qu'un dangereux biais s'installe... Ainsi faisant, le principe constitutionnel de la propriété individuelle s'efface progressivement et l'on voit se redessiner la notion d'intérêt général. Comment est-on arrivé là ?

Jorge Alvarez Iberlucea
Auteur photographe
Membre du SNP

Voir aussi :
- Reproduction, copie, plagiat ou original ?

(*) : Les actes du colloque en DVD sont disponibles sur simple demande à l'UPP et à la SAIF. Extrait video
(**) : Pourtant, la Note du premier ministre adressé aux administrations en date de décembre 1997 disait clairement : « Il appartient à celui qui entend exploiter l'oeuvre sans le consentement du titulaire des droits d'être en mesure d'établir l'absence d'originalité de celle-ci et, par la même occasion, l'absence de contrefaçon de sa part. »
Aussi, cette circulaire citait la directive européenne N° 93/98 du 29 octobre 1993 relative à l'harmonisation de la durée de protection du droit d'auteur et de certains droits voisins, parle dans ses considérants de « caractère artistique ou professionnel » pour le œuvres photographiques... C'est à dire que pour le Conseil des Communautés Européennes il y a bien deux caractères à prendre en compte quand on parle de protection des œuvres photographiques : l'artistique et le professionnel... Mais ceci a été oublié.

Images et texte © Jorge Alvarez

- Images : l'originalité remise en question ? 1/2 par Jorge Alvarez